如若…毋宁…

“贫道二十岁左右,于先世所传晋唐楷书法,无所不临,而不能略肖。偶得赵子昂、董香光墨迹,爱其圆转流丽,遂临之,不数过而遂欲乱真。此无他,即如人学正人 君子,只觉觚棱难近,降而与匪人游,神情不觉其日亲日密,而无尔我者然也。行大薄其为人,痛恶其书浅俗,如徐偃王之无骨。始复宗先人四、五世所学之鲁公, 而苦为之。然腕杂矣,不能劲瘦挺拗如先人矣。比之匪人,不亦伤乎!不知董太史何所见,而遂称孟頫为五百年中所无。贫道乃今大解,乃今大不解。写此诗仍用赵 态,令儿孙辈知之勿复犯。此是作人一著。然又须知赵却是用心于王右军者,只缘学问不正,遂流软美一途。心手之不可欺也如此,危哉!危哉!尔辈慎之。毫厘千 里,何莫非然?宁拙毋巧,宁丑毋媚,宁支离毋轻滑,宁直率毋安排,足以回临池既倒之狂澜矣!”

……傅山《作字示儿孙》

马丁·海德格尔 《诗·语言·思》

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这本书学校后面小书店底下老书那一格应该还有,原来是翻了翻凭直觉买的,就是感觉80年代的老书都是好书,但却一直没有仔细读过。最近没啥看了,就摸到了这一本,一读之下,真的是一本很牛的书。这书有点费劲,我是多么想有点时间啥事也不用干、不用想,这样我就能纠缠纠缠这本书了。伟大的80年代万岁!

9个光的练习

1、单灯人像
左边一支灯,右边一块板,形成夹角(或许可以在30-60度),然后分别尝试左右远近移动灯和板。80以上焦段(取头像或胸像)。
2、非反射静物
非玻璃或金属材质,譬如毛绒、揉皱的衣物等。不可用纯背景。建议用一把伞和一块反光板,仅一切可能减少(但不一定消除)阴影(尝试在主光的对立面用反光板)。
3、单灯微距
这是一经典玩法。
4、完整人物姿态
象通常理解的Studio那样,去使用影棚器具。注意加强动作的捕捉,可以让模特完成较大幅度的动作,然后揣摩他们的位置和你的控制。
5、环境人像
环境是环境和人的和谐社会,因此必须注意两者的关联,光和光效也是一种和谐的手段。
6、印刷品或艺术品翻拍
造出一个均匀的光,如果是一个平面人物,在任何时候均考虑使用反射光或营造柔和的光场(不要将你的灯不加处理的直接投射)。如果是立体的对象,则象对一个人一样尝试使用单灯模式。
7、金属制品或玻璃制品
尝试拍摄这些复杂的制品,你可能需要比较复杂的布置。
8、事件或聚会记录
尽可能利用现场光线。
9、图片故事
综合各种手段来完成。

豆瓣酱

http://www.douban.com/book/list/busoni/collect

Opps的书与书籍分类屡次被批评更新缓慢,这次更新个大的(虽然只是列表)。豆瓣我很早注册后就没用过,前几天偶然收到一个朋友豆瓣的邀请,这才发现豆瓣添书目还是比较快的。

估计整理现有书目得需要点日子慢慢来,另外我会慢慢加上评论。但书和书籍的分类还是要保留。豆瓣上的是书架,可参考大致给出的星(给的还算很用心的,代表我真实的想法),但如果有特别想推荐的还是会写一些体会再放出来。希望这个列表能起一点参考的作用。

艺术的限制

艺术史,或许可以理解为不同时期人的不同精神的呈现方式。艺术是除了文化之外的人类某种被压制的欲望的表述性手段和思考的集合。作为艺术的回顾性的集合,不同的艺术史按照史学的逻辑,设定一个范围和表述方式,来进行一种添加了编撰者思维的再制作。

这里有几个问题,首先艺术史是由某个编撰者按照一种逻辑写作的,这种逻辑必然导致一个脉络,这个脉络的惯性必然引导我们想当然的认为这个时间是前进的和发展的。但实际上,艺术史不总是“发展”的,而是“变化”的。因而不同的艺术史有不同的脉络和脉络惯性,这都是要抛弃的。艺术的变化是人的变化。但无论最早的艺术或最近的艺术,它们的目的都是一样的。用一种不同与思维的间接方式,表达制作者本人的思维(对世界的理解或某种本人的状态)。

艺术或可以理解为人的思、想的技巧外化或潜在“翻译”。

艺术史对于作者本人来说,即一表述其思想态度的“艺术”品。它有其结构、逻辑和“装饰”方法,有其矛盾、个人缺陷的呈现。每个艺术史都有编撰者的暗示,我们或许在看的时候,都需要跳出来,因为你必须跳出别人的逻辑。历史总是密云遮挡,历史是一个“幻境”,因而,无论何时,历史总是一个参考性质的事物。

我们对于“现在”阶段的定义总是历史的,因而我们容易把社会性的共识定义为个人认识,把社会认为艺术的形态,认为是“自己”的艺术的形态。因为任何艺术史总会尝试定义现在,而社会的各种力量也在不断的定义“现在”,如果我们认为现在的艺术就该是如何的,那其实是一种错误,艺术从来未有变化,它是表述的形态。人在判断和思维上的强健性,是解决这个问题的关键。

艺术史,从某种形态的从有到无的各种形态,都是人类的艺术积累,和整个人类能感受到的事物及其可发展出的表述方式的集合。在前几天课上我还扯到了这个问题,人的社会变化和技术变化会带来新的感受事物和人的感受方式,也能带来新的表述方式,譬如手机摄影的低劣画质或高压缩所带来的新的视觉体验,以及由此引发的粗糙式美学的发展,都可以视为一个“发展”的例子。因为它来源于许多方面,是一个人类发展的必然。而这种美学上的发展是困难的,它是一种普世性的体验,是对人类视觉材料的延伸。

这时候,我们应该赞美现代美术时期,他们固执的去研究颜色、研究结构,投入自己的理想和思考,为我们构建了一个非常难以扩容的视觉体系。但必须强调的是,我们赞美的不是那个时期对形式技巧的追求,虽然现代美术是一个大的视觉试验场,但每种手法都是【人】的思考的产物。现代艺术崩溃的很重要原因是人类的已有视觉思维材料(从古岩画到非洲雕刻到浮世绘)都在那个时期被消化、转译,再次使用到了一个很极限的状态。所以它必须被人类思考其表述的另外形式所替代。

现代美术对视觉形式的开掘和集体疯狂有时代(政治、社会、大众等)的原因,但不得不承认的是,其中一些人,也就是我们能在艺术史中识别的那些名字(他们是无数艺术家中的几个),高更、塞尚、甚至毕加索,他们追寻的某种形式,是来源于他的生活方式决定的他的生活范围和关联者所形成的社会关系以及变化的人生事件所决定的思考方式对世界的看法。

没有看过、见过、反应过,就没有感受,没有感受,就没有相应的自然的艺术表述。

艺术,不总是形式上的探寻,现代美术的成功案例,不是形式探寻,我觉得是“骨子”里的东西被转换为一种Fit的形式。这是应该学习的,譬如诗在这个方面就可以做的很好,但好的诗集总是不应该卖的出去的,因为好的诗是骨子里的事情。理解的人越少,诗就越好,也就越卖不出去,这是一个矛盾。所以,职业的艺术家,就需要控制一个平衡。
艺术家成为职业和专业的艺术教育毁掉了许多人类艺术进步的可能性,它被束缚在一个框架内,它形成了一定的模式。因为它变成可教育的了,因此就必然有许多人像遵循艺术史一样去遵循教育的逻辑。艺术本质是无法教育的,艺术是个骨子里的东西。

艺术不需要彻底的改造或任何改造,艺术需要的是不干预。

艺术需要的,恰巧是社会所需要提供的【基础】土壤,可能是经济上的问题,解决生存问题,必然催生重要的艺术探索,衣食无忧,就可能以I Don’t Care的方式跳过一些设定的模式,远离它们。

如果社会不发展,就会有更多的人把艺术家认为是一种职业,而认为自己不是艺术家;把艺术创作认为是一种必须受到某种教育才能得到的身份,而不是普世俱有的表述可能性。现代美术是美术从某种美术工作转换为“艺术”身份的过程,这个过程确立了教育体系,艺术家以及许多衍生事物,在一步步的仪式化的过程中产生了一个阶级,这个阶级是危险的。

摄影在今天有最好的契机,以粉碎自身的方式去唤醒人们。因而,需要做的是唤醒自己,去想摄影以外之事。去形成真正自己的态度、观点,如果摄影那时候还趁你的手,它就是你的表述方式。

这是一个回复,因过长而独立发出

哀悼不是哭

虽然我很悲痛,但我更担心全社会层面的悲痛所可能转化的畸形力量,煽情而来的悲痛,如同一支杜冷丁。

悲痛能起到的速效作用是转化疑问、思辩和反思,转移问题并延缓变革。但副作用也是明显的,最显性的,就是整个社会的疗伤成本,最内在的,是它需要不断的依赖于事件来注射,并且每次注射只会让下次更为痛苦。

急速宣传之后往往是快速的褪去,这是件非常遗憾的事情。

作为希望,我期望本次注射不要快速的结束,如果联播至少一年内每天拿出一分钟的时间,来谈谈灾害,谈谈气候变暖,谈谈汶川,谈谈地震,谈谈可能的灾难。如果能有更多的一分钟,譬如一分钟民族问题,一分钟暴风雪,一分钟国际关系,一分钟宗教问题,一分钟教育问题,一分钟煤矿问题,一分钟的反思……(虽然它们的到来或许需要未来的灾难作为药引),我们才认为之后、乃至未来事件的每次死难者都不是白死的,否则我们只能每次悲痛,再次悲痛,继续悲痛,直到切身的痛来到自己身上。

今天和未来的死难者,如果为国家意识的发展贡献了生命,相信他们也会泉下有知。如果有30分钟让我们不能忘怀的节目,不管它叫什么,我将接通电视,愉快的接受任何清洗。

捐款要搞排行榜、不能正确对待媒体批评、文章一律悲愤交集,急速宣传带来的不冷静及其惯性是非常危险的,未来该如何宣泄,再来一次灾难吗。

“410段地震视频”,“890段地震报道”,“上万张地震照片”,“最惨地震照片”,我真佩服这种敬业精神;用娱乐精神去采访刚被救出的重伤号,你还管不管人死活?不断的问死去亲人的孩子什么感受,你他妈的什么感受。

Opps内容多跟摄影有关,所以就不多谈摄影的,我只说一句,买了相机,带了证件,不代表你有侵犯人和死者尊严的权利,不要学凯文·卡特,拍几张能交差的,能帮手就帮个手吧,注意安全。